Wannes Gijselink

on onze blog

Saint John

   
In de gek ademt de leegte. Deze leegte kan een heilig respect opwekken en als een staat van gratie beschouwd : zoals de figuur van de Yourodivy uit de Russisch orthodoxe traditie, de hemelse gek uit het Tibetaans boeddhisme of de taoïstische wijze die zichzelf ziet als een pasgeborene. Reeds in de 13de eeuw schreef Eric Auerbach dat de Franciscaanse poëzie de klassieke scheiding afwijst tussen de 'grote stijl' en de 'nederige stijl' : sublimitas en humilitas worden één. Het volstaat ze tot het uiterste door te drijven.

Arnold Schoenberg zag weinig goeds in zijn student John Cage : “Hij heeft geen harmonisch doorzicht en lijkt doof te zijn voor de kunst van de proporties”. Het staat vast dat harmonie voor Cage steeds een moeilijk te overbruggen hindernis was. Toch gaf hij in repliek op zijn bewonderde mentor blijk van een flinke dosis verlichte gekte. Cage zwoor zijn leven te wijden aan het botsen tegen deze muur. Hij geloofde niet in proporties tenzij aan die van het ritme als de organisator van klank in de tijd. Harmonie was per slot van rekening niets anders dan een manier om indruk te maken met muziek en zo meer publiek te trekken en meer geld in kassa te krijgen. “Het Oosten en onze oude christellijke beschaving heeft die val vermeden omdat ze zich oprecht interesseerden in muziek, niet als hulpmiddel om meer rijkdom en roem te verwerven, maar eerder als een jonge dienares die er is voor het plezier en voor de religie”. Of nog in andere woorden : muziek als een heilige hoer.

Het is altijd leuk om door te draven over de paradoxen rond zijn befaamde stilte-werk “4’33”, over de deugden van het aleatoire en over de natuurlijke atonaliteit van percussie instrumenten. We vergeten echter iets essentieels als we het niet hebben over zijn Amerikaanse wortels en over zijn interesse voor het transcendentalisme in de dichtkunst. Zo schreef Henry Thoreau : “De wereld is een hemelse harp voor de aandachtige luisteraar, de oplettende mens denkt dat er niets meer waargenomen wordt voorbij de klank van de krekel, toch bestaat er zoiets als een onsterfelijke melodie, die de morgen, de middag, de nacht kan vatten…”

Het is een exotisch en verwarrend territorium bekeken vanuit onze Europese context. De kruising tussen het puriteinse, de liefde voor de natuur, het Oriëntalisme en de zin voor revolte laat Cage bekeren tot het credo ‘muziek is ecologie’. Zo schrijft hij dat het Franse intellect zoekt naar de wetten van de natuur, het Duitse intellect zoekt naar de controle over de dingen terwijl het Amerikaans intellect zich manifesteert in een zin voor anarchie. Dit heeft niet enkel tot Cage betrekking maar aangezien het hier om Cage draait is dit ongetwijfeld een aspect dat we in het achterhoofd moeten houden.

De formule van Cage is simpel: muziek = klank = stilte. Muziek is steeds aanwezig, of ze nu zwijgt of niet. Ze zal nog aanweziger zijn als we haar niet beroeren of als we haar amper aanraken. Dat is de bron van alles. De bron is altijd zuiver voor diegene die zijn dorst lest. Wil dit nu zeggen dat er niet aan mag gewerkt worden? Nee, nee, we stellen daarentegen alles in het werk om die delicate liefde en overtuiging te vieren, de kinderlijke liefde van het idiote kind met zijn oprecht inspirerende aanwezigheid.
   

DE OPSTELLING

De aard van het repertoire

De meeste radicaal aleatoire werken van Cage lijken sterk op seriële muziek. Zoals Célestin Deliège schrijft vond Cage er plezier in aan te tonen dat het teveel aan informatie in de seriële muziek perfect verwisselbaar is met toevals-operaties in de muziek. Deze aleatoire werken behoren niet tot het onderwerp van deze voorstelling. Het gaat daarentegen om de juweeltjes uit de jaren veertig waar Satie, Cowell en Webern met elkaar in dialoog lijken te gaan: melodieën met een ontwapenende eenvoud, loops die niet kloppen, jazz-achtige syncopes, vreemde nocturnes en natuurlijk veel geprepareerde piano als de fascinerende hybride tussen piano en percussieorkest. Veel later werk van Cage verwijst terug naar de geest uit de jaren veertig. Enkele andere werken zoals Child of Tree voor versterkte cactussen geven een fluxus aspect aan de avond waar we niet omheen willen.

De geprepareerde piano, verschillende podia, regie

Cage voorziet elk werk voor geprepareerde piano van een andere manier van preparatie. Een hele reeks werken met geprepareerde piano voorstellen op één avond wil dus zeggen dat er zoveel piano’s moeten zijn als er werken op het programma staan (een preparatie aanbrengen in de snaren vraagt behoorlijk wat tijd). Tegelijkertijd geeft dit aanleiding om aan te knopen bij onze Liquid Room concertformule waarbij er geen frontaal hoofdpodium is maar verschillende kleinere podia staan in één grote ruimte. De deuren blijven open, zoals ook de bar (als mogelijk). Licht en versterking laten toe de aandacht te dirigeren van het ene naar het andere podium terwijl het publiek naar eigen wens een bepaalde afstand of nabijheid zoekt. Enkele kartonnen stoeltjes, kussens, zetels staan over de ruimte verspreid, het publiek kan gaan zitten maar kan ook zich rustig doorheen de ruimte bewegen. De lange duur van de voorstelling (120 minuten) vormt daarom geen hindernis. Onze ervaring is dat het publiek in de zaal blijft en nog aandachtiger is dan waneer het vastgekluisterd is aan zijn zetel.

de uitvoerders
drie pianisten die zich ontfermen over zes of zeven piano’s (kwartvleugels volstaan), 
drie percussionisten + twee jokers : een zangeres en een violist. Alle muzikanten zijn in meer of mindere mate polyvalent en bespelen cactussen, manipuleren radio’s, klappen in de handen …
   

Béatification de John Cage en idiot céleste, pour ses cent ans

(pour le programme du Handelsbeurs)
   

En l’idiot souffle le vide. Il arrive que ce vide suscite un respect sacré et soit interprété comme une grâce : c’est la figure du yourodivy dans la tradition orthodoxe russe, c’est le fou divin du bouddhisme tibétain, ou le sage taoïste qui se présente lui-même comme un enfançon. Déjà au XIIIe sièce, note Erich Auerbach, la poésie franciscaine refuse la séparation classique du “grand style” et du “style humble” : sublimitas et humilitas, au contraire, le sublime et le modeste, poussés à leur maximum, finissent par s’unir l’un à l’autre.

Arnold Schoenberg, son professeur, avait prévenu John Cage : il n’entendait rien à l’harmonie, était sourd à l’art des rapports. L’harmonie, décidément, serait pour lui “un mur infranchissable”. C’est en réponse à son maître que John se fit fou divin et partit sur les routes, jurant de consacrer sa vie “à se cogner contre ce mur”. Il ne croyait pas aux rapports, d’ailleurs, sauf un : celui du rythme, qui distribue le son dans le temps. L’harmonie, tout bien pesé, n’était qu’un “expédient servant à rendre la musique impressionnante, bruyante et emphatique, afin d'élargir l'auditoire et d'augmenter le box-office”. Il ajoutait : “L'Orient et nos anciennes sociétés chrétiennes l'ont évitée, parce qu'ils s'intéressaient à la musique, non en tant qu'aide pour acquérir la richesse et la gloire, mais plutôt comme une jeune servante pour le plaisir et la religion.” Relisez la phrase : de la musique comme putain sacrée.

Rien n’est plus plaisant que de gloser à l’infini sur les paradoxes de 4’33, sur les bénéfices de l’aléatoire, sur l’atonalité naturelle de la percussion. Mais on reste quelque peu sur le seuil si l’on oublie les racines américaines de Cage, et sa lecture assidue des poètes transcendantalistes. Henry Thoreau, par exemple : “Pour des oreilles attentives, quelle harpe splendide est le monde! L'homme absorbé croit qu'au delà du chant du grillon rien ne peut être perçu, mais il existe une mélodie immortelle, que peut saisir, le matin, à midi, la nuit, les oreilles qui savent ouïr, et parfois tantôt un homme, tantôt un autre l'entend, parce qu'il a des oreilles faites pour la musique”. C’est un territoire exotique et bien déroutant, vu d’Europe, que cette intersection de puritanisme, d’amour de la nature, d’orientalisme, d’esprit de révolte, qui fait dire à Cage que “la musique, c’est l’écologie”. L’intelligence française, écrit-il, cherche les lois du monde; l’intelligence allemande, le contrôle sur les choses; quant à l’intelligence américaine, ajoute-t-il, “ce serait l’esprit d’anarchie”. Cela n’engage que lui ; mais si l’on veut fêter Cage, c’est sans doute cette scène-là qu’il faut ouvrir.

L'équation cagienne est simple : musique = son = silence. La musique est là, déjà là, toujours déjà là - qu'elle se taise ou non. Et elle sera d'autant plus là qu'on n'y touchera pas, ou qu’on y touchera peu. C’est la Source. La source est toujours pure pour qui s’y désaltère. Est-ce à dire qu'il ne faut pas travailler? Si, si, il faut beaucoup travailler : pour célébrer l'amour fervent et délicat, l’amour d’enfant idiot qu'on voue à son inépuisable présence.

DISPOSITIF GENERAL

(pour le programme du Handelsbeurs)
    
   
Qualité de répertoire

Les premières oeuvres aléatoires de Cage rivalisent avec la musique sérielle. Comme l’écrit Célestin Deliège (qui y voit une “falsification” délétère), Cage se plaît à montrer “qu’à la surinformation contenue dans la combinatoire sérielle, pouvait être substituée l’intervention du hasard”. Ces oeuvres-là n’auront pas notre préférence. Mais que de merveilles à épingler, par contre, dans les pièces des années ‘40, cet “art pauvre” où semblent dialoguer Satie, Cowell et Webern! Mélodies candides tournant en boucles imparfaites, syncopes de faux jazz enfilées comme des perles de verre, nocturnes évanouissants - et bien sûr le piano préparé, beaucoup de piano préparé, cet hybride fascinant de clavier et d’orchestre de percussions. De nombreuses oeuvres plus tardives renouent avec cet esprit fourties. Quelques autres, vraiment très étranges, (comme Child of Tree, pour cactus amplifiés) saupoudreront la soirée de l’inévitable esprit Fluxus, sur lequel il n’est pas possible de faire l’impasse.

Piano préparé, podiums, régie

Dans chacune des nombreuses oeuvres pour piano préparé (il en écrira de 1938 à 1952, puis abandonnera cette technique) Cage fait considérablement varier la préparation de l’instrument. Moralité : pour présenter un florilège d’oeuvres pour piano préparé, il y faut autant de pianos que d’oeuvres. C’est le point difficile du projet - le budget; sans doute faut-il imaginer une co-production avec un vendeur de pianos? Mais c’est là aussi qu’il rencontre la plus intéressante de nos expériences récentes (présentée à Bruxelles, Wien Modern, Bruges, et bientôt Darmstadt et Luxembourg) : la Liquid Room. Nous appelons Liquid Room un dispositif de concert ouvert, sans scène frontale, mais avec plusieurs petits podiums disposés dans un grand lieu. Les portes restent ouvertes vers le bar, éventuellement. Lumières et sonorisation soignées permettent de faire basculer la musique sans couture d’un podium à l’autre (comme dans un “archipel”...) tandis que le public déambule à son goût. Un kit de petits tabourets en cartons (que nous apportons) permet de s’asseoir et de se déplacer tranquillement. Cela fonctionne bien dans une durée longue : deux heures, mettons. A noter : le public reste! Il reste plus longtemps, et bien plus attentif, que lorsqu’on lui demande de rester concentré.

Il faut donc imaginer ceci : trois pianistes, disposant de six ou sept pianos (des 1/4 queue amplifiés peuvent suffire)
Trois percussionnistes, dont les setups sont montés sur podiums.
En “jokers”, une chanteuse et un violoniste.
Tout le monde, évidemment, un peu polyvalent, prêt à jouer du cactus, de la radio ou du clapping...
   

   
Ce que John Cage énonce, en réponse à ce que ses oreilles ont recueilli, semble bien être aujourd'hui l'ultime témoignage des enjeux croisés qui ont constitué la scène américaine :
“Il n'y a pas assez de rien."
Marcelin Pleynet

Cage a rompu avec Schoenberg en arguant clairement du formalisme de ce dernier; mais c'était dans le propos, que n'eût pas désavoué le jeune Schoenberg, d'atteindre à une musique qui se débarrasse de l'angoisse en la réfléchissant et en la diffusant comme une lumière.
Daniel Charles
   

      

NOTES de programme

(Pour le programme Rainy Days à Luxembourg)
   
Au sujet des œuvres _ La plupart des œuvres de John Cage présentées à ce concert datent des années 1930 et 1940, avant son ‹grand tournant› de 1952, lorsqu’il place toute son œuvre à venir sous le mot-clé «indétermination». Sans réduire son parcours artistique à des incidents biographiques, on peut noter qu’une crise spirituelle majeure s’ouvre pour lui en 1948, lorsqu’il divorce de sa femme Xenia et emménage avec Merce Cunnigham. Il va chercher, pour un temps, secours du côté de la psychanalyse, qui le déçoit rapidement (il faut souligner que l’Association Américaine de Psychanalyse rangeait l’homosexualité dans la catégorie des maladies mentales jusqu’en… 1973). Cage se tourne alors vers le bouddhisme, en suivant les cours de Daisetz Suzuki à l’Université de Columbia. L’effet de choc de cette rencontre aura presque autant d’importance que celle d’Arnold Schoenberg dans sa jeunesse. C’est à partir de là que l’anti-romantisme de Cage, hérité de Satie, est radicalisé et réorienté vers une pensée de la suspension du vouloir, et la soumission systématique à la discipline du hasard. La composition du programme de Liquid Rooma obéi à un protocole simple: beaucoup de Cage ‹d’avant la crise›, mais dans une forme qui souscrit à l’esprit aléatoire des années 1960, ‹d’après la crise›: suspension du temps, esprit contemplatif, superpositions de couches. Dans ce temps ouvert et pluriel, nous injectons des œuvres de répertoire que Cage a aimées ou qui l’ont formé, et toutes sortes d’œuvres plus contemporaines qui n’auraient pas été pensables sans lui.

La figure du Maître, d’abord, apparaîtra dans un jeu de miroirs entre deux gigues: celle de la Suite pour violoncelle BWV 1010 de Johann Sebastian Bach, en écho à la gigue explosive qui clôture la Suite opus 25 pour piano d’Arnold Schoenberg, 1923. On sait que L’Art de la Fugue avait foudroyé le jeune John Cage: «Il me semblait que je n’avais besoin d’aucune autre musique, seulement d’écouter cela», déclarera-t-il en 1984… avant d’ajouter que ce goût lui était définitivement passé, Bach lui apparaissant comme le musicien de l’Unité, «toutes choses s’ajustant parfaitement ensemble», ce que son esthétique tardive ne pouvait accepter. Son professeur Schoenberg, par contre – qui l’avait très peu encouragé – était resté jusqu’au bout l’objet d’un culte loyal: John Cage parlait de lui comme de la «munificence même», celui avait libéré la musique de la servitude du Thème pour l’ouvrir au monde en mutation perpétuelle de la variation continue. 

À l’inverse de la conscience historique et tourmentée de Schoenberg, la figure insolente et ironique d’Erik Satie constitue l’autre grand pôle du panthéon cagien. On connaît les propos scandaleux de Cage à ce sujet: les micro-variations des phrasés répétitifs de Satie, qui désorientent la mémoire et gélifient le temps, l’ouvrant ainsi à l’accueil du silence et de l’écoute détachée, lui semblaient «de loin plus intéressants» que l’œuvre de Beethoven – des propos que bien des musiciens ne lui pardonneront jamais. Nous donnerons ici des extraits des Sports et Divertissements d’Erik Satie, écrits en 1914, un recueil ‹pour connaisseurs›, moins populaire que les Gnossiennes, mais particulièrement prisé par les musiciens contemporains de Satie; Darius Milhaud y voyait l’essence de son art. 

Impossible d’évoquer John Cage sans évoquer Dada. La mémoire de Duchamp, avec qui il avait joué aux échecs sans jamais oser lui parler de son travail, obsédera Cage toute sa vie. Il tenait en peu d’estime le surréalisme (dont l’avatar contemporain, disait-il, était lepop art) mais n’avait jamais cédé sur l’importance de Dada. Nous présenterons de larges extraits de la Sonate in Urlauten de Kurt Schwitters, terminée en 1932. Schwitters, peintre et poète, est né à Hanovre en 1887. Il crée dans cette ville une dissidence du mouvement Dada, dont il trouve le nom en découpant une affiche pour la Kommerzbank: Merz. Il se consacre spécialement à l’art du collage, qui intègre tous les déchets de la vie industrielle, mais élargit peu à peu son horizon; tout devient Merz: des images Merzbild et des maisons Merzbau, des pièces de théâtre et une série d’œuvres de poésie phonétique. La Sonate in Urlauten («sonate en sons originaires»), écrite en quatre mouvements avec de nombreuses références ironiques à la forme-sonate classique, est destinée à un acteur-musicien-lecteur. Dans une langue imaginaire, utilisée pour ses seules propriétés sonores et rythmiques, Schwitters remet à son interprète un matériel en or pour une déflagration d’énergie vocale.

Durant sa Carte Blanche, notre invitée Jennifer Walshe nous initiera par ailleurs aux œuvres et hauts faits du dadaïsme irlandais, Irish Dada – dont il semblerait qu’elle soit seule à connaître l’existence. 

«Dada in Ireland centered around the activities of Dermot O’Reilly, Kevin Leeson and Brian Sheridan. All three worked at the Guinness brewery in Dublin – for this reason the Irish Dadaists are usually referred to as the ‹Guinness Dadaists.› They were most active between 1920 and 1922, during the period of the Irish War of Independence. Led by O’Reilly, the Guinness Dadaists put on performances and created sculptures, wall hangings and sound poetry. The latter was composed using the rules of pronunciation of the Irish language and as such is extremely difficult for non-Irish speakers to read or perform.»

http://en.wikipedia.org/wiki/Dada#Ireland (02.11.2012)

Pour clôturer le chapitre des maîtres, convoquons enfin la figure attachante d’Henry Cowell (1897– 1965), l’un des plus prolifiques compositeurs de la ‹première avant-garde›, le club des auto-proclamés ‹ultra-modernistes› qui réunissait Varèse, Seeger, Ruggles et quelques autres. Cowell a laissé près d’un millier d’œuvres. Né en Californie sur une terre de migrants, passionné par les musiques extra-européennes, Cowell fut le premier artiste à donner un cours de ‹musiques du monde› à la New School for Social Research de New York, dès la fin des années 1920, et il intégrera dans ses œuvres des instruments perses, indiens, japonais. Ses œuvres pour piano ont fasciné toute une génération de musiciens curieux, dont John Cage, pour les effets inattendus qu’il obtenait de l’instrument: clusters ou jeu direct sur les cordes. Jean-Luc Fafchamps présentera un florilège de courtes pièces caractéristiques ou ‹prophétiques›. 

De John Cage lui-même, nous présenterons le rare mais savoureux Four Dances de 1942 pour voix (sans parole), petite percussion et piano, où règne cet étrange esprit d’idiotie hérité de Satie, qui semble prendre l’auditeur par la main pour le ramener à quelque paradis d’enfance. Les objets musicaux (mauvais jazz, faux gospel, danses d’indiens d’opérette), clôturés sur eux-mêmes, y tournent méticuleusement en rond dans la pure joie d’exister. L’œuvre fut créée en 1943 à l’occasion d’une chorégraphie de Hanya Holm, une héritière de la danse expressionniste allemande qui deviendra, après son installation à New York, l’une des principales figures de la modern dance. Le ballet s’appelait What So Proudly We Hail.

L’invention du piano préparé, on le sait, eut partie liée avec le travail de Cage pour le monde de la danse: c’est en méditant sa Bacchanale pour un ballet de Sylvilla Fort, en 1940, que Cage eut l’idée de faire tenir au piano préparé le rôle d’un ensemble de percussions (la légende dit parfois que l’invention eut lieu sous un effet de contrainte, la scène qui accueillait le ballet étant trop petite pour recevoir plusieurs musiciens). Il suffisait d’introduire des boulons, du bois, du caoutchouc entre les cordes (toujours d’une manière précisément notée, et «dans le respect des sonorités de l’instrument», comme l’écrit souvent Cage) pour obtenir des couleurs radicalement nouvelles. Les merveilleuses Three Dances pour deux pianos préparés, de1945, furent elles aussi chorégraphiées en 1947 par Merce Cunnigham dans Dromenon. Cage y applique sa technique des ‹proportions rythmiques›: l’œuvre est découpée a priori en séquences de durées asymétriques, qui contraignent le développement rythmique en lui donnant cet aspect très caractéristique des œuvres cagiennes des années 1940: un côté ‹montage› aux coutures apparentes, comme découpé à la hache. Ce qui n’empêche pas, dans le détail, un grand bouillonnement rythmique et de subtils jeux polyrythmiques, avec des superpositions de boucles inégales. Nous ne jouerons pas la seconde danse, d’inspiration typiquement balinaise (à la manière de Lou Harrison), mais on retrouvera la même qualité d’inspiration dans une courte œuvre soliste de 1947, For Marcel Duchamp, écrite pour un film de Hans Richter. La préparation est très élémentaire (des bandelettes de caoutchouc), et on peut parler ici de piano ‹atténué› davantage que ‹préparé›. La structure mélodique est simple et répétitive, et accueille un nombre inhabituel de mesures de silence – anticipant par-là sur les œuvres futures du compositeur.

La plus célèbre, et incontestablement la plus réussie des œuvres pour piano préparé, est le cycle de plus d’une heures Sonatas and Interludes de 1948, d’une invention et d’une luminosité de timbre rarement égalées. Sa réussite tient probablement à la parfaite balance entre les notes préparées, les notes à vide, les notes semi-préparées requises et détaillées dans la notice d’introduction. Cette préparation hybride crée une ‹modalité› étrange où le diatonique, le micro-ton et le bruit pur fusionnent en échelles imprévisibles et tintinnabulantes, qui couvrent tout le spectre de ce que peut suggérer un piano en termes de matières: bois, cristal, métal et feutre. La délicatesse mélodique de Cage y est à son maximum, et évoque irrésistiblement certains andante de Mozart: allégresse et paix intérieure, joie tranquille du non-sens.

Quelques œuvres de Cage ‹irréalisent› le piano, non pas en le préparant, mais tout simplement en demandant au pianiste de jouer sur le couvercle fermé du clavier, pédale enfoncée, comme un corps sonore à la fois sourd et résonant. C’est le cas dans The Wonderful Widow of Eighteen Springs for voice and closed piano, 1942, inspiré par quelques phrases du Finnegan’s Wake de James Joyce. Il est demandé à la chanteuse une voix simple et peu vibrante, «comme une chanteuse folk». La mélodie vocale se limite à trois hauteurs.

L’une des plus étranges parmi toutes les œuvres cagiennes se pare aussi d’une certaine importance historique, puisqu’il est permis d’y voir la première partition pour instruments acoustiques et sons électroniques. Il s’agit de Imaginary Landscape N° 1, 1939, destinée au départ à la réalisation en studio radio (et non au concert). L’œuvre est destinée à un pianiste (étouffant les cordes d’une main, ou raclant les cordes basses à l’aide d’une mailloche de timbale), à un percussionniste jouant d’une grande cymbale, et à deux platines. Celles-ci diffusent des sinusoïdes pures, qui ne sont rien d’autres que des ‹test-discs› publiés dans les années 1930 par les disques RCA Victor, et destinés à calibrer les installations audio (avec des fréquences fixes, 100 ou 1 000 Hz, ou des glissandos balayant tout le spectre audible). Les joueurs de platine obtiennent des effets en passant de 33 à 78 tours, en soulevant l’aiguille, en modulant le son avec une pédale de volume. 

Parmi les œuvres de Cage d’après 1952 – où interviennent les procédures de hasard, donc, voire d’improvisation –, notre complice du jour Jennifer Walshe a épinglé 45’ for a speaker, de 1954, qui relève du registre de la ‹performance› davantage que de l’œuvre musicale proprement dite. Jennifer en choisira un extrait. C’est dans ce texte qu’on trouve le fameux proverbe-manifeste cagien: «I have nothing to say and I am saying it and that is poetry.» 

Superposé aux petites pièces de Satie, on pourra également entendre le _Child of Tree _de1975, qui fut composé suite à une tournée de John Cage à travers l’Arizona avec la Cunnigham Dance Company. Un des danseurs de la compagnie avait offert un cactus à Cage, qui s’essaya à une œuvre semi-improvisée pour cactus amplifié, à réaliser en suivant des proportions rythmiques calibrées par un chronomètre. 

Radio Music, 1956 est une partition calculée suivant des procédures de hasard, où la partition indique des actions telles qu’allumer et éteindre la radio, changer de fréquence, contrôler le volume. Il faut rappeler que, si Cage évoque parfois le silence comme une sorte de substance dont on peut jouir, au même titre qu’un beau son ou un beau bruit, il ne pousse jamais cette dévotion jusqu’à l’idéalisation mystique: le silence n’est jamais pour Cage, en dernière analyse, que le bruit de fond et la rumeur du monde. 

Du côté des amis de John Cage, il était impossible de faire l’impasse sur Morton Feldman, le plus fidèle de ses compagnons, et le plus proche de Cage par son intérêt pour les arts plastiques, qui parfois semble même supérieur à son amour pour la musique. Nul n’a jamais pu analyser les captivantes harmonies feldmaniennes; on sait que le compositeur se moquait du sérialisme, la pensée octaviante (où l’on disjoint les questions de l’harmonie et du registre) lui apparaissant comme un appauvrissement; il travaillait, disait-il, avec «les 88 notes du piano à disposition», construisant ses accords soigneusement, un par un, en tentant à tout prix d’échapper à l’expressivité 19e qu’il appelait «la Colle». Les_Last Pieces_ de 1959 pour piano solo (et qui ne sont en aucune façon ses ‹dernières pièces›) seront un parfait échantillon de l’art de ce grand harmoniste. 

Plus proche des expériences radicales de Fluxus, quelques réalisations de la Prose Collection de **Christian Wolff **(1971) seront égrenées au long du concert: autant de petits textes courts, froids comme des modes d’emploi et intriguants comme des poèmes: «Make sounds with stones, draw sounds out of stones, using a number of sizes and kinds (and colors); for the most part discretely; sometimes in rapid sequences.»

Parmi les ‹successeurs de Cage› – ou les compositeurs dont l’écoute de Cage a bouleversé leur rapport à la musique– il convient d’épingler en premier lieu James Tenney (1934–2006), qui fut son élève après avoir été celui d’Edgar Varèse. Pionnier et inlassable chercheur de la computer music, Tenney fit les beaux jours du laboratoire Bell, fondé en 1925 dans le New Jersey par Bell Telephone. Nous présenterons une pièce pour bande de 1969,_ For Ann (Rising)._ L’œuvre se signale par une grande abondance de glissandos, qui tissent une matière proche des «boucles de Shepard» (illusions psychoacoustiques d’un glissando infini, en perpétuelle montée ou descente). L’accumulation produit finalement un effet de masse en mouvement. Le compositeur a reconnu avoir voulu produire une œuvre simple dans son impact, «à l’opposé du style de vie à NY dans les années 1960», qui brouille les frontières entre continu et discontinu, déterminé et indéterminé. 

Né en 1954, Larry Polansky est professeur au Dartmouh College. Il revendique la filiation cagienne en assumant l’expression de «musique expérimentale», et le présupposé fondamental d’ignorer la frontière entre musique et non-musique. Songs and Toods, écrit en 1985, est un cycle dont nous présentons quelques extraits, parmi lesquels les 85 Chords. Les Songs sont des chansons américaines traditionnelles, réécrites pour une guitare réajustée (un tempérament différent est utilisé dans chaque chanson). Les _85 Chords _sont destinés à une guitare en «just intonation» (accordée suivant les harmoniques naturels); les harmonies, qui passent du simple au complexe puis du complexe au simple, ont été générées par ordinateur. 

L’intérêt supérieur de Cage pour la poésie orale et non-déclamatoire, ainsi que toutes les questions liées à la vocalisation (héritée de sa passion pour Gertrude Stein, James Joyce et le futurisme italien) trouvera ici un écho dans les Three Songs de** Ukeoirn O’Connor, établis et reconstitués par **Jennifer Walshe pour voix et ukulele. Walshe/O’Connor explorent ici l’idée d’un ‹trésor des voyelles›, matrice de toutes les vocalisations possibles, qu’aucune langue n’utilise intégralement sans choix ni filtrage. Des qualités de voyelles issues du Polonais, de l’Estonien, du Chinois, du Japonais, fusionnent dans le chaudron de chansons de taverne de Dublin. 

**Pierluigi Billone **(né en 1960) est un des plus célèbres compositeurs italiens d’aujourd’hui. Il a été l’élève de Salvatore Sciarrino et Helmut Lachenmann. Mani.Mono pour spring drum (tambour à ressort) a été écrit en 2007. Voici ce qu’en écrit notre percussionniste Tom De Cock: 

«A distinctive feature of Billone’s music is the exceptional creative energy able to multiply the sound source. From singular (one instrument) it becomes plural, when it meets with the player’s resonant body and his principal and vital instruments, without which he couldn’t live or communicate – that is, hands and mouth. Is the sound within us, or outside us? Billone’s questions are about this borderline space, about the manifestation of a vibrating essence (Sound) that flows around, inside, outside, and throughout the bodies.»

Clinton Mc Callum est né dans le Colorado en 1980. Il revendique sa filiation avec «la face hippie de Stockhausen», les expériences Fluxus et les années 1970 en général, «la relation physique à l’instrument de musique», la musique «noise underground» et les films d’horreur. Ses œuvres, d’une manière ou d’une autre, mettent toujours en situation l’étrangeté du jeu instrumental. _Dance up close to me II_for Fender Rhodes and amplifier operator, 2011, implique un pianiste jouant du piano électrique, et un ‹assistant› déplaçant l’ampli portable sur lequel est diffusé ce piano. Le compositeur en dit ceci: «I found out that Harold Rhodes originally developed his electric piano for the US Army during World War II so that injured soldiers could play music while they laid in their hospital beds. I used this bit of history as inspiration while recomposing this piece.»

Eva Reiter est née à Vienne en 1976. Elle est à la fois compositeur et interprète sur flûte et bec et sur viole de gambe. Konter, écrit en 2009 pour flûte basse et électronique, explore des modes de jeu ultra-rapides à la flûte, et amplifiés de très près par une dizaine de microphones. L’œuvre ouvre une interzone ambiguë où fusionnent chuchotement, parole et musique. 

JL Plouvier

Im fließenden Raum

Bernhard Günther

Ein kleiner Rückblick auf die Verflüssigung der Konzertsituation
   

Vor die Neue Musik haben die Götter den Umbau gesetzt.

 (Josef Häusler, Leiter der Donaueschinger Musiktage 1976–1991)

Die Konstellation, in der der «Liquid Room for John Cage» am 29. November 2012 über Monate hinweg seine fließenden Formen annahm – John Cage, Ictus, rainy days, Grand Theâtre de Luxembourg –, war so naheliegend, dass es Verschwendung wäre, sie nicht zu erwähnen: Ein Komponist, für den Raum, Bewegung, Simultaneität, Nichtlinearität, Überraschungen, Präzision und Vergnügen selbstverständlich zu Musik dazugehören. Ein Ensemble, das – frustriert von permanenten Umbaupausen – mit dem Format «Liquid Room» seit der Erstausgabe am 02.04.2009 in Brüssel daran arbeitet, die typischerweise holprigen Abläufe eines Konzerts mit zeitgenössischer Musik so fließend zu gestalten wie bei einem Jazz- oder Rockkonzert. Ein Festival, bei dem Alternativen zur klassisch-frontalen Hörsituation «Musiker auf der Bühne – Publikum auf Sitzreihen» ebenso selbstverständlich zum Programm gehören wie eine sportliche Auffassung von Dramaturgie. Ein Bühnenraum, der reichlich Platz und die notwendige technische Flexibilität bietet. Nicht zu vergessen: ein technisches Team (Grand Théâtre, Ictus, Littlebit und Philharmonie), das das alles ganz leicht aussehen lässt.

Die Kunst beim Pole Dance heißt, alles ganz leicht aussehen zu lassen.

(Mallorca Zeitung, 2012)

Wie ein liebevoll zusammengestelltes Mixtape, das seine Adressaten für John Cage, dessen Klänge, Ideen, Umfeld und Folgen begeistern möchte – nur live, in 3D und manchmal simultan von mehreren Bühnen. Rund 40 Kompositionen stehen auf dem dreistündigen Programm am 29. November 2012, mal präzise, mal locker zueinander in Beziehung gesetzt. Den Grundstock bildet eine Auswahl von Werken, die Cage als junger Klangentdecker zwischen 27 und 38 Jahren schrieb, vom weltweit wohl ersten Stück mit Plattenspielern und ‹DJs› (Imaginary Landscape N° 1 von 1939) bis zu einigen der bemerkenswertesten Kompositionen für präpariertes Klavier. Dazu kommen (neben späteren Cage-Werken wie der berühmten Kaktus-Klangstudie Child of Tree von 1975) einige der furiosen Klavierstücke, die Cages Lehrer Henry Cowell während des Ersten Weltkriegs komponiert hatte, Johann Sebastian Bach, den Cage durch seinen ersten Kompositionslehrer Richard Buhlig entdeckt hatte, Arnold Schönberg, der Cage unter der Bedingung als Schüler akzeptiert hatte, dass dieser sein Leben ganz der Musik widmen werde, Cages Freunde Christian Wolff und Morton Feldman, die von Cage bewunderten Komponisten Anton Webern und Erik Satie, der von Cage alles andere als bewunderte Kurt Schwitters, James Tenney, der als Pianist selber Cages Sonatas and Interludes eingespielt hat, Larry Polansky, der sich als Zwanzigjähriger für Cages Stücke der späten 1940er Jahre begeisterte, Pierluigi Billone, der in Sachen Schlagzeug-Klangerfindung das von Cage erfolgreich besetzte Feld in den letzten Jahren komplett neu aufgerollt hat, und schließlich drei, die auch mit ihrer Verschmelzung von Komposition und Performance glatt als Cages Urenkel durchgehen könnten: Clint McCallum, Eva Reiter und Jennifer Walshe.

Any other activities are going on at the same time. 

(John Cage: _Variations III, _1962/1963)

Dass eine musikalische Aufführung sich auf ganz unterschiedliche Weise in den Raum stellen lässt, wurde zu Beginn des 21. Jahrhunderts vielerorts neu entdeckt – allein bei den rainy days denke man an die Erfahrungen eines wandernden Festivalpublikums mit Manos Tsangaris 2006 in der Philharmonie oder mit Peter Ablinger 2009 in der ganzen Stadt Luxemburg, an die komponierten und im Raum verteilten Programme des Klangforum Wien 2008 («Symposion») und 2011 («Oskar Serti»), an das Schwimmbadkonzert von 2008 oder an Olga Neuwirths Open-air-Collage von 2010, bezeichnenderweise inspiriert von dem anarchischen Simultankonzert, das der junge Joseph Haydn Mitte des 18. Jahrhunderts in Wien organisiert hatte. «Die Wahl von Konzertstück, Performance, Installation oder Mischformen hiervon gehört […] ebenso zum Bereich kompositorischer Entscheidung wie die Festlegung von Instrumentation oder zu vertonendem Text», beschrieb Volker Straebel im Katalog der Donaueschinger Musiktage 2003 die neue Freiheit – unter expliziter Berufung auf Cage. Mischbegriffe wie «Konzertinstallation» (4.440 Google-Suchresultate Anfang November 2012) finden sich seit ungefähr dieser Zeit im kuratorischen Schatzkästlein des Musikveranstalters: «Der Begriff ‹Konzertinstallation› soll verdeutlichen, dass das Triptychon Musik – Raum – Publikum als Gesamtinszenierung – als Gesamtkunstwerk – zu verstehen ist».

Zur Selbstverständlichkeit wurde, dass nichts, was die Kunst betrifft, mehr selbstverständlich ist…

(Theodor W. Adorno:_ Ästhetische Theorie, _1969/1970)

Lose zusammengefügte Konzertsituationen für ein bewegliches Publikum wie die stundenlangen, lockeren Promenadenkonzerte in den Londoner Pleasure Gardens, für die sich Leopold Mozart 1764 begeistert hatte, waren im Konzert- und Opernbetrieb des 19. und 20. Jahrhunderts vor lauter Regeln nahezu in Vergessenheit geraten: keine Speisen und Getränke im Saal, keine Gespräche, kein ‹Szenenapplaus› mitten im Stück, kein Herumgehen, niemand verlässt den Saal. 1824 klagte Stendhal über die Erstarrung der Verhaltensregeln in der italienischen Oper: «Was wird das skrupulöse Schweigen und die durchgängige Aufmerksamkeit zur Folge haben? Dass weniger Leute Vergnügen finden.» 1910 setzte sich der Geiger und Komponist Karl Klingler in Berlin vehement für die «Beifallsenthaltung zwischen den einzelnen Sätzen» ein. 1913 geht in Wien und Paris als das Jahr der Skandalkonzerte in die Musikgeschichte ein. 1918 verboten die Statuten von Arnold Schönbergs Verein für musikalische Privataufführungen in Wien jegliche Beifalls- und Missfallenskundgebung. Das letzte der großen Skandalkonzerte des 20. Jahrhunderts datiert Alex Ross auf den 19.01.1973, seither sind lärmende Störenfriede fragilen Konzertveranstaltungen mehrheitlich ferngeblieben. 2009 postete der Pianist Emanuel Ax in seinem Blog: «Ich hoffe, dass wir zu der Auffassung zurückkehren können, dass Applaus eine emotionale Reaktion auf die Musik sein sollte und keine geregelte gesellschaftliche Pflicht.» Bei allem Respekt für das respektvolle, aufmerksame Zuhören im Konzertsaal – eine gewisse Lockerung der Regeln scheint eingesetzt zu haben.

Why is it so difficult for so many people to listen?

Why do they start talking when there is something to hear?

The situation should be made more normal, don’t you think?

Why don’t they keep their mouth shut and their ears open? 

(John Cage im Vortrag Communication, Darmstadt 1958)

Dass Stücke in einer ganz bestimmten Reihenfolge und eines nach dem anderen erklingen müssen statt wild durcheinander oder gar etwa gleichzeitig, gehört ebenfalls zu den Konzert-Konventionen, die sich im 20. Jahrhundert ganz allmählich aufzulösen begannen. Vom 18. Jahrhundert bis zu Beethovens Zeit waren bunt gemischte Programmfolgen von drei bis vier Stunden eine Selbstverständlichkeit. Im 19. Jahrhundert avancierte die Programmzusammenstellung zu einer Art Kunst, die – beispielsweise von Hans von Bülow, Chefdirigent der Berliner Philharmoniker von 1887 bis 1893 – strengen Regeln und Qualitätsvorstellungen unterworfen wurde. Seine Tabuisierung von «Quodlibet-Programmen» erstarrte im Lauf der Zeit vom Reformansatz zum konservativen Stereotyp «Ouvertüre – Solokonzert – Pause – Symphonie». Ausgehend von den Rändern des Musikbetriebs wurden im 20. Jahrhundert solche Regeln und Standards immer öfter in Frage gestellt. Zu den Motoren dieser Entwicklung gehörte nicht zuletzt John Cage – beispielsweise mit seiner vielzitierten Multimedia-Veranstaltung am Black Mountain College 1952, die später als das erste Happening der Musikgeschichte bezeichnet wurde, später dann mit fröhlich-anarchischen Veranstaltungsformen wie Musicircus (1967) oder_ A House Full of Music (1982). Schon bei John Cages erstem Auftritt in Europa am 17. Oktober 1954 bei den Donaueschinger Musiktagen wurden zwei seiner Werke simultan aufgeführt. Mal teilweise dem Zufall überlassen wie bei Cage, mal präzise auskomponiert wie in Bernd Alois Zimmermanns _Musique pour les Soupers du Roi Ubu von 1966 oder Luciano Berios Sinfonia von 1968, mal als Schlussfolgerung aus der Entwicklung der Medien wie bei John Oswalds «Plunderphonics» oder Johannes Kreidlers «Musik mit Musik» – die Collage und Simultanschichtung ist längst zu einer unter vielen Möglichkeiten geworden, wie man unterschiedliche musikalische Darbietungseinheiten zueinander in Beziehung setzen kann. 

The idea of this composition is nothing more than an invitation to a number of musicians, 

who perform simultaneously anything or in any way they desire.

(John Cage: _Musicircus, _1967)

Im Programm und Ablauf des heutigen Abends haben zahlreiche Gespräche mit Tom Pauwels und Jean-Luc Plouvier, mit François Deppe und Michael Schmid (sowie mit Thomas Schäfer, dem Leiter der Darmstädter Ferienkurse, der Jennifer Walshe ins Spiel brachte, und dann wiederum mit dieser) Spuren hinterlassen, ebenso die praktischen Erfahrungen aus den «Flüssigen Räumen», die zwischen dem Beschluss und der Realisierung des Luxemburger «Liquid Room» in Brüssel, Hamburg, Darmstadt und Gent stattfanden. Die Anzahl der ‹finalen Versionen› und ‹ultimate songlists›, die im Lauf der letzten Monate in meiner Mailbox landeten, korrespondiert in etwa mit der Dichte der Ereignisse am Abend selbst. Mit dem «Liquid Room for John Cage» erreicht die Veranstaltungsform «Liquid Room» ihren nächsten Level und vorläufigen Höhepunkt. Herzlichen Dank an alle Beteiligten und viel Vergnügen beim Zuhören!
   
   

Pandora’s Music Box

Tom Pauwels

for Rainy Days, Luxembourg
   
Proud to present «Liquid Room» for the first time in Luxembourg! The principle: an auditorium cleared of its seating; an audience wandering about, lying down or opting for small, portable, cardboard stools, moving between the bar and the auditorium; an archipelago of four stages and the ever-present music, well amplified, subtly lit, switching from one stage to another. Listen in and listen out, concentrating or letting the mind wander: the ideal place for experimentation.

Customized for «good luck – rainy days 2012», Ictus dedicates this «Liquid Room» to John Cage: an evening focusing on Cage’s early, candid works for prepared piano, while looking back to his main sources of inspiration (Satie, Schönberg, Cowell, and even Bach) and presenting more recent music that might not have seen the light without the revolution of thought that Cage provoked (see works of Wolff, Polansky, Billone, Reiter, McCallum and Walshe).To conclude withFeldman: «Cage opened up the door to a vast world, willy-nilly. He opened Pandora’s Music Box.»
   
Tom Pauwels